10 großartige Kunstwerke mit unglaublichen geheimen Bedeutungen

 10 großartige Kunstwerke mit unglaublichen geheimen Bedeutungen

Seit Dan Brown den Da Vinci-Code geschrieben hat, ist das Internet voller Menschen, die versuchen, die „Geheimnisse“ der großen Kunst zu lösen. Von Außerirdischen in Gemälden der Renaissance bis zu unzähligen Verschwörungen, an denen die Mona Lisa beteiligt war, wurde kein dummer Stein auf den Kopf gestellt. Aber nicht alle Theorien über die Bedeutung eines Werks sind so offen verrückt. Einige schaffen es, sowohl völlig überzeugend als auch absolut umwerfend zu sein.

10. Ein Satyr, der um eine Nymphe trauert, zeigt tatsächlich einen brutalen Mord

Ein Satyr, der 1495 von Piero di Cosimo gemalt wurde, soll eine Szene aus Ovids Metamorphosen darstellen. In dieser Geschichte wird Procris versehentlich im Wald getötet, als ihr Jägermann Cephalus sie für ein wildes Tier hält und einen Speer durch sie schleudert. Es ist eine typische Szenenwahl für einen Renaissancekünstler mit nur einem Problem. Eine genaue Untersuchung zeigt, dass Cosimos Procris auf keinen Fall durch einen Unfall getötet werden könnte. Laut dem britischen Professor Michael Baum deuten alle Anzeichen auf die Szene hin, in der ein brutaler Mord dargestellt wird. Procris hat tiefe Schnittwunden um die Hände, die mit jemandem übereinstimmen, der versucht, einen Messerangriff abzuwehren. Ihre linke Hand ist ebenfalls nach hinten gebogen in einer Position, die als "Kellnerspitze" bekannt ist und typischerweise bei Mordopfern zu finden ist, deren Halsschnur an den Punkten C3 und C4 durchtrennt wurde. Schließlich gibt es eine Halswunde, die der Position von C3 / C4 entspricht. Anstatt eine Szene der Romantik zu sein, zeigt Cosimos Gemälde die Folgen eines rasenden Messerangriffs. Dies war wahrscheinlich nicht beabsichtigt. Professor Baum vermutet, dass Cosimo die örtliche Leichenhalle gebeten hat, ihm eine Leiche für das Gemälde zu leihen, und hat zufällig ein Mordopfer bekommen.

9.Diego Rivera impliziert, dass J. D. Rockefeller Jr. Syphilis hatte

Diego Riveras Mann, Controller Of The Universe, ist eines der größten Gemälde der mexikanischen Kunst - im wahrsten Sinne des Wortes und im übertragenen Sinne. Ursprünglich für das Rockefeller Center in Auftrag gegeben, aber in Mexiko-Stadt rekonstruiert, nachdem Nelson Rockefeller die Darstellung von Lenin in Frage gestellt und zerstört hatte, ist es eines der Wahrzeichen des 20. Jahrhunderts. Es ist auch ein monumentaler Racheakt. Das Wandbild behauptet, Nelson Rockefellers Vater habe Syphilis gehabt. Eines der Schlüsselelemente ist die Nachbildung der neuesten wissenschaftlichen Entdeckungen durch das Wandbild. Galaxien, explodierende Sonnen und Nahaufnahmen von Bakterien schwärmen in ihrem zentralen Kreuz und schweben über den Köpfen von Männern und Frauen. Nachdem Nelson Rockefeller seine Originalversion abgerissen hatte, ging Rivera zurück und malte seinen Vater, J. D. Rockefeller Jr., unter einer dieser Bakterien-Nahaufnahmen. Die Bakterien, die er ausgewählt hat, waren zufällig Syphilis. Das war nicht alles, was er getan hat. Obwohl J.D. Rockefeller Jr. ein lebenslanger Teetotaler ist, zeichnete Rivera ihn mit einem Martini und einer Frau, die möglicherweise eine Prostituierte ist. Für zusätzlichen Effekt steckte er Lenin in eine herausragende Position.

8.Isabella zeigt einen Mann, der seine Erektion versteckt

John Everett Millais, einer der führenden Köpfe der Präraffaeliten-Bewegung, ist heute wahrscheinlich am bekanntesten für seine Ophelia. Zumindest war er bis 2012, als Forscher in seinem frühen Gemälde Isabella etwas Unerwartetes entdeckten. Es enthält eine Reihe von Figuren aus Boccaccios Decameron, die bei einem Festmahl an einem Tisch sitzen, und enthält auch etwas, das unverkennbar wie der Schatten einer Erektion aussieht. Die Figur im Vordergrund links im Bild spannt ein Bein und benutzt einen Nussknacker. Wenn Sie genau hinschauen, können Sie sehen, dass der Schatten, den der Nussknacker wirft, einfach perfekt zu seinem Schritt passt, was ihn über das Hauptgericht äußerst begeistert aussehen lässt. Und weit davon entfernt, ein weiterer Beweis dafür zu sein, dass unser Geist unwiderruflich in der Gosse steckt, war dies mit ziemlicher Sicherheit beabsichtigt. Das Decameron ist eines der erotischsten Bücher, die jemals geschrieben wurden, und das Gemälde ist voller Hinweise auf Sexualität. Das ausgestreckte Bein des Charakters soll phallisch sein, und ein Haufen Salz, der über den Schattenpenis verschüttet wird, symbolisiert wahrscheinlich Sperma. Es ist so schmutzig wie möglich, ohne einfach nur Pornos zu zeichnen.

7. La Primavera ist ein Liebesbrief an den Gartenbau

Botticellis La Primavera ist eines der berühmtesten Gemälde in den Uffizien in Florenz (was etwas aussagt) und eines der mysteriösesten. Mit einer Gruppe von Frauen auf einer himmlischen Wiese streiten sich Experten immer noch über ihre allegorische Bedeutung. Aber es gibt eine Theorie, die sich in Bezug auf Beweise und Fremdheit von allen anderen abhebt - einige behaupten, es gehe nur um Gartenbau. Die Argumentation beruht auf der überwältigenden Liebe zum Detail, die Botticelli auf seiner imaginären Wiese in die Pflanzen gesteckt hat. Nach offiziellen Schätzungen sind mindestens 500 individuell identifizierbare Pflanzen ausgestellt, die fast 200 verschiedene Arten umfassen. Einige haben vorgeschlagen, dass sie alle Pflanzen darstellen, die um Florenz des 15. Jahrhunderts wachsen und zwischen März und Mai blühten, während andere behaupteten, dass sie Fantasiepflanzen enthalten, die Botticelli möglicherweise speziell für das Gemälde erfunden hat. Bei all dieser Aufmerksamkeit für Blumen registrieren sich einige Liebhaber kaum die menschlichen Figuren stehen oben. Es wurde sogar gesagt, dass das Gemälde "weniger Hochkultur als Gartenbau" darstellt.

6.Die Musikstunde ist pervers

Die Musikstunde wurde in den 1660er Jahren von Johannes Vermeer gemalt und gilt als eines der größten Porträts des niederländischen Lebens im 17. Jahrhundert. Mit einem jungen Mädchen, dem von ihrem gutaussehenden Lehrer beigebracht wird, eine Art Cembalo zu spielen, das als jungfräulich bezeichnet wird, ist es eine fotorealistische Darstellung eines typischen Tages der Oberschicht in Vermeers Welt. Zumindest ist dies die Standarderklärung. Eine andere Ansicht ist, dass alles mit Sex und versteckter Lust zu tun hat. Nach dieser Theorie ist das Gemälde mit kleinen Hinweisen auf die rohe sexuelle Spannung zwischen dem Mädchen und ihrem Tutor gefüllt. Es überrascht nicht, dass die Jungfrau mit Jungfräulichkeit in Verbindung gebracht wurde, während der Spiegel darüber zeigt, dass das Mädchen den Mann tatsächlich beim Spielen ansieht, abgelenkt von seiner „männlichen Präsenz“. Dahinter soll der Krug Wein darauf hindeuten, dass ein Aphrodisiakum stattfindet, während das Instrument auf dem Boden gleichzeitig ein riesiges phallisches Symbol darstellt. Der Blickwinkel, aus dem wir das Gemälde betrachten, könnte sogar darauf hindeuten, dass der Betrachter ein Voyeur ist. Es ist nicht nur dieses eine Gemälde. Einige Kunstkritiker behaupten, dass die Präsenz von Musik in Vermeer immer die Sexualität symbolisiert und sein Oeuvre zutiefst verworren macht.

5.Cafe Terrace in der Nacht ist über das letzte Abendmahl

Das 1888 gemalte Cafe Terrace At Night ist eines der wichtigsten Werke von Van Gogh. Es ist auch eines seiner beliebtesten, mit einer klassischen Van-Gogh-Version einer gewöhnlichen Szene. Eine andere Denkrichtung behauptet jedoch, dass etwas viel Tieferes im Spiel ist. Nach einer neueren Theorie handelt Cafe Terrace At Night wirklich vom letzten Abendmahl. Schon in jungen Jahren war Van Gogh äußerst religiös. Sein Vater war ein protestantischer Minister, und einflussreiche Kunstkritiker haben argumentiert, dass seine Gemälde von christlichen Bildern durchdrungen sind. Im Fall von Cafe Terrace At Night kommt diese Bildsprache in Form von Jesus, der sich hinsetzt, um mit seinen Jüngern zu essen. Wenn Sie sich die Gäste genau ansehen, können Sie sehen, dass es 12 von ihnen gibt, die um eine zentrale Figur mit langen Haaren sitzen. Es ist bezeichnend, dass im Bild sogar eine Reihe von Kreuzen versteckt sind, darunter eines direkt über der Christusfigur. Es gibt zeitgenössische Beweise, die diese Behauptung stützen. Als Van Gogh seinem Bruder über das Gemälde schrieb, behauptete er, die Welt habe ein „enormes Bedürfnis“ nach Religion. Er war auch tief verliebt in Rembrandt und äußerte den Wunsch, seinen Stil der subtilen christlichen Symbolik wiederzubeleben. Cafe Terrace At Night könnte ein Beweis dafür sein, dass es ihm letztendlich gelungen ist.

4. Eine Allegorie mit Venus und Amor handelt von Syphilis

Ein Gemälde, das zeigt, wie Venus und Cupid es anziehen, während ein Glatzkopf zusieht und ein Mann im Hintergrund schreit, war immer beunruhigend. Agnolo Bronzinos Allegorie mit Venus und Amor ist jedoch selbst nach den Maßstäben seines Themas dunkel. Obwohl es als erotisches Bild "von einzigartiger Schönheit" beschrieben wird, gibt es viele Hinweise darauf, dass es wirklich eine Warnung vor Syphilis ist. Der Schwerpunkt dieser Theorie liegt auf der schreienden Figur unten links im Bild. Obwohl klassisch gesagt wird, dass es Eifersucht oder Verzweiflung symbolisiert, zeigt eine genaue Untersuchung, dass sie tatsächlich sehr krank sind. Ihre Finger sind genau so geschwollen, wie Sie es von einem Syphilis-Patienten erwarten, ein Fingernagel fehlt und ihre Haare weisen Anzeichen einer syphilitischen Alopezie auf. Ihr zahnloses Zahnfleisch deutet sogar auf eine Quecksilbervergiftung hin, wobei Quecksilber das ist, was Renaissance Italien einer sexuell übertragbaren Krankheit am nächsten kam. Es wird dunkler. Das Kind, das Venus und Amor mit Blumen überschüttet, scheint seinen Fuß auf einen Rosendorn gestochen zu haben, ohne es zu merken. Ein solcher Mangel an Empfindung würde direkt aus einer syphilitischen Myelopathie resultieren. Mit anderen Worten, das Gemälde scheint die Liebenden zu zeigen, die von Syphilis-induziertem Leiden umgeben sind. eine Vision von dem, was sie erwartet, wenn sie von Leidenschaft mitgerissen werden.

3. El Autobus handelt von einem schrecklichen Crashrs

El Autobus wurde 1929 von der legendären mexikanischen Künstlerin Frida Kahlo gemalt und ist berühmt dafür, einen Querschnitt der mexikanischen Gesellschaft nebeneinander zu zeigen. Eine Hausfrau, eine Arbeiterin, eine Mutter der amerikanischen Ureinwohner und ein reicher Gringo-Geschäftsmann warten alle auf einen Bus, zusammen mit einem Mädchen, das wahrscheinlich selbst Frida sein soll. Wenn dies der Fall ist, hat das Gemälde einen viel dunkleren Untertext. Alle seine Untertanen stehen kurz vor einem schrecklichen Unfall. 1925 saß Kahlo in einem Bus, der kopfüber in einen Trolley krachte. Das Wrack war so schlimm, dass Kahlo auf einem Metallhandlauf aufgespießt wurde und sie für den Rest ihres Lebens in Qualen zurückließ. Ihre späteren Arbeiten bezogen sich häufig auf den Unfall, was bedeutet, dass es ein Wunder war, dass sie den Absturz überhaupt überlebt hat. Und El Autobus ist keine Ausnahme. Es wurde vermutet, dass die Arbeiterin der Mann sein soll, der Kahlos Leben gerettet hat, indem er den Handlauf von ihrem gebrochenen Körper gezogen hat, was bedeutet, dass das Gemälde kurz vor dem Einsteigen in den Bus gesetzt wurde. Weit davon entfernt, auf dem Heimweg zu sein, sind die Charaktere direkt auf dem Weg zu einer gewalttätigen Begegnung mit dem Schicksal.

2. Die Gemälde der niederländischen Schule in Gemälden

Das niederländische Goldene Zeitalter der Malerei ist nach der italienischen Renaissance an zweiter Stelle. Wie andere Epochen hatte es seine eigenen kleinen Stilmerkmale, wie Künstler, einschließlich anderer Gemälde im Hintergrund ihrer Bilder. Diese "Bilder in Gemälden" waren nicht nur Vermeer und seine Freunde, die angeben. Sie enthielten einen speziellen symbolischen Code, der Ihnen genau erklärt, wie Sie jedes Bild lesen müssen. Take The Slippers von Samuel van Hoogstraten. Auf den ersten Blick zeigt das Gemälde eine leere Halle mit zwei darin liegenden Pantoffeln, im Hintergrund hängt eine Kopie von Vater, der seine Tochter ermahnt, von Caspar Netscher. Es scheint fast langweilig. Aber zeitgenössische niederländische Zuschauer hätten gewusst, dass das Netscher-Gemälde in einem Bordell stattfindet. In Kombination mit den beiden Hausschuhen, bei denen es sich um ein nicht übereinstimmendes Paar handelt, das sowohl einem Mann als auch einer Frau gehört, wäre die eindeutige Schlussfolgerung gewesen, dass die Halle leer war, weil die Insassen mit Sex beschäftigt waren. Zu anderen Zeiten war der Code subtiler. Ein Mann, der einen Brief schreibt, und eine Frau, die einen Brief liest (siehe Abbildung oben) von Gabriel Metsu, zeigen einen Mann, der einen Brief an seine Geliebte schreibt und sie liest. Im zweiten Bild ist im Hintergrund ein Gemälde eines Schiffes in einem stürmischen Meer zu sehen, das die turbulente Natur ihrer Fernbeziehung symbolisiert. In The Love Letter von Vermeer zeigt ein Gemälde eines Schiffes unter bedrohlichen Wolken, dass sich möglicherweise schlechte Nachrichten nähern. Wenn Sie nachsehen, finden Sie Hunderte von Beispielen dieser niederländischen „Gemälde in Gemälden“, von denen jedes die Bedeutung des Schiffs auf subtile Weise verändert größeres Bild.

1.L.S. Lowrys Arbeit ist voller versteckter Leiden

Ein Maler aus der Mitte des 20. Jahrhunderts, bekannt für die Darstellung von Nordwestengland, L.S. Lowry war berühmt dafür, riesige urbane Szenen mit Massen von „Streichholzmännern“ zu malen. Obwohl er beliebt war, hat die Kunstwelt seine Bilder lange Zeit als trivial abgetan. Sie hätten nicht falscher liegen können. Wie ein sadistischer Wo ist Waldo, sind Lowrys Gemälde voller versteckter Blitze menschlichen Leidens. In seinem Gemälde Ein Unfall von 1926 (siehe Bild oben) versammelt sich eine Menschenmenge in der Nähe eines Sees und betrachtet etwas, das in ihrer Mitte verborgen ist. Obwohl das Gemälde nicht offensichtlich ist, wurde die Szene von einem lokalen Selbstmord inspiriert und die Gruppe soll eine durchnässte Leiche betrachten. Seine Arbeit The Fever Van aus dem Jahr 1935 zeigt eine Gruppe von Fußgängern, die einen Van anstarren, der einen Patienten abholt. Zu dieser Zeit waren Diphtherie und Scharlach in Manchester weit verbreitet und häufig tödlich. Die unausgesprochene Botschaft ist, dass der unsichtbare Leidende in Lowrys Gemälde mit ziemlicher Sicherheit sterben wird. Andere Lowry-Gemälde beinhalten Menschen, die in Faustkämpfe geraten, vertrieben werden oder einfach in überwältigender Isolation aus ihren Fenstern starren. In jedem Fall ist die Tragödie nie mehr als ein Hintergrundereignis, das fast im Bild verborgen ist. Alle anderen Streichholzmänner leben einfach weiter ihr tägliches Leben, ohne sich des Leidens in ihrer Mitte bewusst oder gleichgültig zu sein. Die Botschaft ist, dass wir völlig alleine sind und unser Schmerz nichts bedeutet. Es ist wahrscheinlich die schrecklichste versteckte Botschaft von allen.