10 grandes obras de arte com significados secretos incríveis

 10 grandes obras de arte com significados secretos incríveis

Desde que Dan Brown escreveu O Código Da Vinci, a Internet está inundada de pessoas tentando resolver os “mistérios” da grande arte. De alienígenas em pinturas renascentistas a incontáveis ​​conspirações envolvendo a Mona Lisa, não houve pedra estúpida deixada sobre pedra. Mas nem todas as teorias sobre o significado de uma obra são tão abertamente malucas. Alguns conseguem ser completamente convincentes e totalmente alucinantes.

10.Um luto sátiro por uma ninfa mostra na verdade um assassinato brutal

Pintado por Piero di Cosimo em 1495, A Satyr Luto por uma ninfa supostamente retrata uma cena das Metamorfoses de Ovídio. Nessa história, Procris é morto acidentalmente na floresta quando seu marido caçador Cephalus a confunde com uma fera e atira uma lança nela. É uma escolha típica de cena para um artista renascentista, com apenas um problema. Um exame mais atento prova que não há como o Procris de Cosimo ter sido morto por acidente. De acordo com o professor britânico Michael Baum, todos os sinais apontam para a cena que descreve um assassinato brutal. Procris tem lacerações profundas ao redor das mãos, consistentes com alguém tentando se defender de um ataque de faca. Sua mão esquerda também está dobrada para trás em uma posição conhecida como "a ponta do garçom", normalmente encontrada em vítimas de assassinato que tiveram a medula cervical cortada nos pontos C3 e C4. Finalmente, há uma ferida no pescoço correspondente à posição de C3 / C4. Em vez de ser uma cena de romance, a pintura de Cosimo mostra as consequências de um ataque frenético de faca. Provavelmente não foi intencional. O professor Baum suspeita que Cosimo pediu ao necrotério local que lhe emprestasse um cadáver para a pintura e acabou recebendo uma vítima de assassinato.

9. Diego Rivera implica que J.D. Rockefeller Jr. tinha sífilis

Homem de Diego Rivera, controlador do universo é uma das maiores pinturas da arte mexicana - literal e figurativamente. Originalmente encomendado para o Rockefeller Center, mas reconstruído na Cidade do México depois que Nelson Rockefeller questionou sua representação de Lenin e mandou destruí-la, é uma das obras icônicas do século 20. É também um ato monumental de vingança. O mural afirma que o pai de Nelson Rockefeller tinha sífilis. Um dos elementos-chave é a recriação do mural de recentes descobertas científicas. Galáxias, sóis explodindo e close-ups de bactérias enxameiam em sua cruz central, flutuando sobre as cabeças de homens e mulheres. Depois que Nelson Rockefeller destruiu sua versão original, Rivera voltou e pintou seu pai, J.D. Rockefeller Jr., sob um daqueles close-ups de bactérias. Acontece que a bactéria que ele escolheu era a sífilis. Não foi só isso que ele fez. Apesar de J.D. Rockefeller Jr. ser abstêmio por toda a vida, Rivera o desenhou com um martini e uma mulher que pode ser uma prostituta. Para efeito adicional, ele colocou Lenin em uma posição de destaque.

8.Isabella apresenta um homem escondendo sua ereção

Uma das principais luzes do movimento pré-rafaelita, John Everett Millais é provavelmente mais conhecido hoje por sua Ofélia. Pelo menos, ele foi até 2012, quando os pesquisadores descobriram algo inesperado à espreita em sua primeira pintura Isabella. Apresentando um monte de personagens do Decameron de Boccaccio sentados ao redor de uma mesa em um banquete, também inclui o que parece inconfundivelmente a sombra de uma ereção. O personagem no primeiro plano à esquerda da pintura está levantando uma perna e usando um quebra-nozes. Se você olhar de perto, verá que a sombra projetada pelo quebra-nozes simplesmente se alinha perfeitamente com sua virilha, fazendo-o parecer extremamente entusiasmado com a entrada. E, longe de ser mais uma prova de que nossas mentes estão irremediavelmente na sarjeta, é quase certo que foi intencional. O Decameron é um dos livros mais eróticos já escritos, e a pintura está cheia de referências à sexualidade. A perna estendida do personagem deve ser fálica, e uma pilha de sal derramado na sombra do pênis provavelmente simboliza o sêmen. É o mais sujo que você pode conseguir sem simplesmente desenhar pornografia.

7.La Primavera é uma carta de amor à horticultura

Uma das pinturas mais famosas da Galeria Uffizi de Florença (o que já diz alguma coisa), La Primavera de Botticelli é também uma das mais misteriosas. Apresentando um grupo de mulheres em um prado semelhante ao céu, os especialistas ainda discutem sobre seu significado alegórico. Mas há uma teoria que se destaca de todas as outras, em termos de evidência e estranheza - alguns afirmam que é tudo sobre horticultura. O raciocínio vem da atenção alucinante aos detalhes que Botticelli colocou nas plantas em seu prado imaginário. De acordo com estimativas oficiais, existem pelo menos 500 plantas individualmente identificáveis ​​em exposição, compreendendo cerca de 200 espécies diferentes. Alguns sugeriram que eles representam todas as plantas que cresceram em torno da Florença do século 15 que floresceu entre março e maio, enquanto outros alegaram que eles incluem plantas fantásticas que Botticelli pode ter feito especialmente para a pintura. Com toda essa atenção às flores, alguns aficionados mal registram as figuras humanas acima. Já foi dito que a pintura representa "não tanto a alta cultura quanto a horticultura".

6. A lição de música é excêntrica como o inferno

Pintado por Johannes Vermeer na década de 1660, The Music Lesson é considerado um dos maiores retratos da vida holandesa do século 17. Apresentando uma jovem sendo ensinada a tocar um tipo de cravo chamado de virginal por seu lindo tutor, é uma representação fotorrealista de um dia típico da classe alta no mundo de Vermeer. Pelo menos, essa é a explicação padrão. Outra visão é que tudo tem a ver com sexo e luxúria oculta. De acordo com essa teoria, a pintura está repleta de pequenas pistas sobre a tensão sexual crua entre a menina e seu tutor. Sem surpresa, o virginal foi associado à virgindade, enquanto o espelho acima dele revela que a menina está realmente olhando para o homem enquanto brinca, distraída por sua "presença masculina". Atrás deles, a jarra de vinho sugere que um efeito afrodisíaco está ocorrendo, enquanto o instrumento no chão funciona como um enorme símbolo fálico. O ângulo de onde vemos a pintura pode até sugerir que o observador é um voyeur. Não é apenas uma pintura. Alguns críticos de arte afirmam que a presença da música em Vermeer sempre simboliza a sexualidade, tornando sua obra profundamente pervertida.

5. O terraço do café à noite é sobre a última ceia

Pintado em 1888, Cafe Terrace At Night é uma das obras mais importantes de Van Gogh. É também um de seus mais amados, apresentando uma versão clássica de Van Gogh em uma cena comum. Mas outra escola de pensamento afirma que há algo muito mais profundo em jogo. De acordo com uma teoria recente, Cafe Terrace At Night é realmente sobre a Última Ceia. Desde pequeno, Van Gogh era extremamente religioso. Seu pai era um ministro protestante, e críticos de arte influentes argumentaram que suas pinturas estão impregnadas de imagens cristãs. No caso de Cafe Terrace At Night, essa imagem vem na forma de Jesus sentado para comer com seus discípulos. Se você olhar atentamente para os clientes, verá que são 12, sentados ao redor de uma figura central com cabelos longos. Notavelmente, há até uma série de cruzes escondidas na imagem, incluindo uma diretamente acima da figura de Cristo. Existem evidências contemporâneas para apoiar essa afirmação. Quando Van Gogh escreveu a seu irmão sobre a pintura, ele afirmou que o mundo tinha uma “tremenda necessidade” de religião. Ele também estava profundamente apaixonado por Rembrandt e expressou o desejo de reviver seu estilo de simbolismo cristão sutil. Cafe Terrace At Night pode muito bem ser a prova de que ele finalmente conseguiu.

4. Uma alegoria com Vênus e Cupido é sobre a sífilis

Uma pintura que mostra Vênus e Cupido transando enquanto um careca assiste e um homem grita ao fundo sempre vai ser perturbador. Mesmo para os padrões do assunto, no entanto, Alegoria com Vênus e Cupido de Agnolo Bronzino é sombria. Apesar de ser descrito como uma imagem erótica "de beleza singular", há muitas evidências de que é realmente um alerta sobre a sífilis. O foco dessa teoria é a figura gritando no canto inferior esquerdo da pintura. Embora classicamente seja dito que simboliza ciúme ou desespero, um exame mais atento mostra que eles estão realmente muito doentes. Seus dedos estão inchados exatamente como você esperaria de um paciente com sífilis, uma unha está faltando e seus cabelos apresentam sinais de alopecia sifilítica. Suas gengivas desdentadas sugerem até envenenamento por mercúrio, sendo o mercúrio a coisa mais próxima que a Itália renascentista tinha de um tratamento de DST. Fica mais escuro. A criança que banhava Vênus e Cupido com flores parece ter furado o pé em um espinho de rosa sem perceber. Essa falta de sensação resultaria diretamente da mielopatia sifilítica. Em outras palavras, a pintura parece mostrar os amantes rodeados pelo sofrimento induzido pela sífilis; uma visão do que está reservado para eles, caso se deixem levar pela paixão.

3. El Autobus é sobre um acidente horrível

Pintado pela lendária artista mexicana Frida Kahlo em 1929, El Autobus é famoso por mostrar um corte transversal da sociedade mexicana vivendo lado a lado. Uma dona de casa, uma operária, uma mãe nativa americana e um rico empresário gringo estão todos esperando o ônibus, junto com uma garota que provavelmente deveria ser a própria Frida. Se for esse o caso, a pintura tem um subtexto muito mais escuro. Todos os participantes estão prestes a sofrer um acidente horrível. Em 1925, Kahlo estava em um ônibus que bateu de cabeça em um bonde. Os destroços foram tão graves que Kahlo foi empalada em um corrimão de metal, deixando-a em agonia pelo resto da vida. Seus trabalhos posteriores freqüentemente faziam referência ao acidente, sugerindo que foi um milagre ela ter sobrevivido ao acidente. E El Autobus não é exceção. Foi sugerido que o operário deveria ser o homem que salvou a vida de Kahlo puxando o corrimão de seu corpo quebrado, o que significa que a pintura é colocada pouco antes de eles embarcarem no ônibus. Longe de estarem voltando para casa, os personagens estão se dirigindo diretamente para um encontro violento com o destino.

2. As pinturas da escola holandesa dentro das pinturas

A Idade de Ouro da pintura holandesa perde apenas para o Renascimento italiano em estatura. Como em outras épocas, ele tinha suas próprias peculiaridades de estilo, como os artistas que incluíam outras pinturas no fundo de seus quadros. Essas "pinturas dentro de pinturas" não eram apenas Vermeer e seus amigos se exibindo. Eles continham um código simbólico especial que dizia exatamente como ler cada imagem.Take The Slippers, de Samuel van Hoogstraten. À primeira vista, a pintura mostra um corredor vazio com dois chinelos, com uma cópia de Padre Admoestando Sua Filha, de Caspar Netscher, pendurada ao fundo. Quase parece enfadonho. Mas os espectadores holandeses contemporâneos saberiam que a pintura de Netscher ocorre dentro de um bordel. Combinado com os dois chinelos sendo um par incompatível pertencente a um homem e uma mulher, a inferência clara seria que o corredor estava vazio porque os ocupantes estavam ocupados fazendo sexo. Em outras ocasiões, o código era mais sutil. Homem escrevendo uma carta e uma mulher lendo uma carta (foto acima) de Gabriel Metsu mostram um homem escrevendo uma carta para sua amante e ela lendo-a. Na segunda foto, uma pintura de um navio em um mar tempestuoso é visível ao fundo, simbolizando a natureza turbulenta de seu relacionamento à distância. Em The Love Letter by Vermeer, uma pintura de um navio sob nuvens sinistras mostra que más notícias podem estar se aproximando. Vá procurando e você encontrará centenas de exemplos dessas "pinturas dentro de pinturas" holandesas, cada uma alterando sutilmente o significado do imagem maior.

1.L.S. O trabalho de Lowry está cheio de sofrimento oculto

Um pintor de meados do século 20 conhecido por representar o noroeste da Inglaterra, L.S. Lowry era famoso por pintar vastas cenas urbanas com multidões de "homens palitos de fósforo". Embora ele fosse popular, o mundo da arte considerou suas pinturas triviais por um longo tempo. Eles não poderiam estar mais errados. Como um sádico Where’s Waldo, as pinturas de Lowry estão cheias de flashes ocultos de sofrimento humano. Em sua pintura de 1926 Um acidente (foto acima), uma multidão de pessoas se reúne perto de um lago, olhando para algo escondido em seu meio. Embora a pintura não seja gritante sobre isso, a cena foi inspirada por um suicídio local e o grupo deveria estar olhando para um cadáver encharcado. Seu trabalho de 1935, The Fever Van, mostra um grupo de pedestres olhando boquiaberto para uma van pegando um paciente. Na época, a difteria e a escarlatina eram comuns em Manchester e frequentemente fatais. A mensagem não dita é que o sofredor invisível na pintura de Lowry quase certamente morrerá. Outras pinturas de Lowry incluem pessoas brigando, sendo despejadas ou simplesmente olhando de suas janelas em um isolamento esmagador. Em cada caso, a tragédia nunca é mais do que um incidente de fundo, quase oculto na pintura. Todos os outros homens palitos de fósforo continuam vivendo suas vidas diárias, inconscientes ou indiferentes ao sofrimento em seu meio. A mensagem é que estamos totalmente sozinhos e nossa dor não significa nada. É provavelmente a mensagem oculta mais assustadora de todas.